En adaptant au cinéma Le Chat du Rabbin, sa bande dessinée la plus célèbre, Joann Sfar signe une nouvelle merveille de fantaisie et d’humour. Alger années 1920. Le rabbin Sfar vit en compagnie de sa fille Zlabya, d’un perroquet bruyant et d’un chat espiègle. Ce dernier ne manque pas de ressources et d’imagination. La preuve : il dévore le perroquet et se met à son tour à parler pour ne dire que des mensonges… Furieux, le rabbin veut l’éloigner. Mais le chat, fou amoureux de sa petite maîtresse, est prêt à tout pour rester auprès d’elle… même à faire sa Bar Mitsva ! Voici le début d’une série d’aventures plus délirantes les unes que les autres. Décidément, rien ne résiste à Joann Sfar ! Auteur à succès de la nouvelle bande dessinée française, cinéaste très convaincant (son premier film, Gainsbourg, vie héroïque, a légitimement cartonné au box-office et valu un César amplement mérité à Éric Elmosnino), l’homme a également été récemment commissaire d’exposition (Brassens à la Cité de la musique, à Paris, c’était lui) et ne cesse d’initier de nouveaux projets excitants. Bref, Joann Sfar a le vent en poupe et en profite. Assailli depuis plusieurs années par les producteurs en vue d’une adaptation sur le grand écran de son best-seller, Le Chat du Rabbin, Sfar a refusé toutes les propositions car il avait son idée derrière la tête : mettre lui-même en scène sa BD et signer ainsi son premier film d’animation. C’est chose faite. Et plus que bien faite… Dans Le Chat du Rabbin, le film, Sfar reste fidèle à l’esprit et à la forme de sa BD. En racontant l’histoire surréaliste du rabbin Sfar, de sa fille Zlabya et du chat doué de parole, le cinéaste promène son imaginaire à Alger dans les années 20 puis partout en Afrique. Il enchaîne les saynètes aux délires visuels sympathiques et délivre un message humaniste que personne n’osera contredire : on a bien le droit d’aimer les gens quelles que soient leurs croyances religieuses. Mêlant les technologies modernes (3D) et les méthodes les plus artisanales (dessins à la plume et à l’encre de Chine), Le film impose en douceur son charme, son éclairage raffinée, sa lumière resplendissante, ses couleurs pétantes et son humour félin. Bref, impossible de ne pas être ravis de voir le chat s’animer ! Les fans de Joann Sfar, et plus généralement les amateurs de films d’animation, seront également enchantés de découvrir en bonus un passionnant making-of revenant sur la genèse du projet, le travail en coulisses des acteurs qui prêtent Leur voix aux personnages, la création des décors et les différentes techniques utilisées.

Nicole Kidman, au sommet de son art ! Dans Rabbit Hole, dont elle est également productrice, l’actrice incarne une mère en deuil de son fils. Résultat : un des rôles majeurs de sa riche carrière et un film bouleversant. L’un des plus beaux de l’année 2011.

Becca et Howie, de riches quadras américains, avaient tout pour être heureux, mais un événement inacceptable est venu saccager leur vie. Leur fils unique est mort, suite à un accident de la route, survenu à deux pas de leur belle maison. Depuis, le couple tente de redonner un sens à son existence. Lui cherche à échapper à la dépression et essaye d’entrafner son épouse dans de nouvelles expériences réparatrices. Elle ne parvient pas à faire semblant d’y croire. Elle coupe les ponts avec sa famille, ses amis, refuse de s’inventer un avenir, s’enlise… Contre toute attente, elle se rapproche du jeune homme responsable de la mort de son enfant. Cette étrange relation va-t-elle lui permettre de pouvoir être enfin en paix avec elle-même et avec les autres ? Comment vivre avec le deuil ? Comment s’inventer une nouvelle existence malgré tout ? Avec un tel sujet, on pouvait redouter le chantage aux sentiments et les surenchères larmoyantes. Il n’en est rien.

Dans Rabbit Hole, adaptation de la pièce de théâtre éponyme de David Lindsay-Abaire, tout repose sur la suggestion, les murmures, une étrange douceur. Dans cette fiction sobre et bouleversante, le très inspiré John Cameron Mitchell (Hedwig and the Angry Inch, Shortbus] filme les hésitations, les non-dits et les contradictions intimes de ses personnages. Dans la peau de Howie, le mari au bord d’un gouffre existentiel, Aaron Eckhart interprète une partition infiniment pudique. Quanta Nicole Kidman, alias Becca, femme prisonnière de sa douleur, elle sidère du premier au dernier plan et retrouve les sommets autrefois arpentés avec Stanley Kubrick (Eyes Wide Shut) ou Jane Campion (Portrait de femme). La comédienne, également productrice du film et nominée lors de la dernière cérémonie des Oscars, s’est pleinement investie dans Rabbit Hole et cela se sent à chaque plan. « J’interprète Becca comme quelqu’un qui porte en elle une telle souffrance que si on l’effleure elle se brise, racontait Nicole Kidman, au moment de la sortie du film. Cette perte qui la paralyse est là tous les matins à son réveil et paradoxalement sa seule façon de s’en sortir, c’est d’avancer encore et toujours. Elle tente désespérément d’aller du côté de la vie. La seule question qu’elle se pose n’est pas « Comment je fais pour vivre ? » mais « Comment vivre ? ». » Le résultat, époustouflant de beauté et d’émotion, hante longtemps après la projection. À voir et à revoir…

Une comédie burlesque à l’humour décapant et aux répliques déjà cultes ! Paris ans 2011, un sériai killer sévit dans les épiceries de Barbes. Parmi les victimes, la femme d’un diplomate algérien. C’est assez pour que la Police algérienne entre en jeu et mette à disposition de la Police nationale française le plus grand duo de flics d’Afrique du Nord : l’inspecteur Nerh-Nérh et le Kabyle, deux blédards aux méthodes pas très académiques qui, pour aller de A à B, passent par Z, et le prouvent par 1 plus B ! Après Seuls Two, Éric et Ramzy choisissent d’incarner deux flics stupides et s’en donnent à cœur joie pour prendre le contrepied des polars américains et se moquer joyeusement, en passant, de toutes les communautés. Un film loufoque, complètement déjanté qui fait la part belle à des gags des plus surréalistes.

Des extra-terrestres, qui vivent sur Terre et nous ressemblent, subissent une effrayante malédiction. Dans Numéro Quatre, produit par Michael Bay, DJ Caruso signe un film de genre. Magistral ! Ils ont l’apparence humaine, mais, comme I chacun sait, il convient de se méfier des apparences… Neuf Aliens se sont enfuis de leur planète d’origine, Lorien, où il ne fait plus bon respirer, pour se cacher sur Terre et échapper à une malédiction mortelle. Les neuf héros, chacun désigné par un numéro, ont beau être promis à développer des super-pouvoirs à l’âge adulte, un terrible sortilège les poursuit et leur vaut d’être tués selon l’ordre croissant de leur numéro. Leurs ennemis ? Les Mogadoriens, d’autres Aliens qui sont prêts à tout pour les décimer. Les numéros Un, Deux et Trois sont déjà passés de vie à trépas. C’est dire l’angoisse qui tenaille légitimement le numéro Quatre, baptisé John Smith. Ce dernier se cache dans une petite ville anodine de l’Ohio et tente de survivre sous l’aspect d’un adolescent ordinaire. Il rencontre Sam, un garçon passionné par le surnaturel et fait surtout connaissance avec Sarah, une jolie jeune fille dont il tombe éperdument amoureux. Numéro Quatre va-t-il échapper à son destin ? Va-t-il parvenir à se protéger et à protéger ceux qu’il aime ? Telles sont les angoissantes questions à l’œuvre ici…
À l’instar de Harry Potter ou Twilight, Numéro Quatre est l’adaptation d’un livre à succès, redevable à Pittacus Lore, un pseudo derrière lequel se cachent deux signatures visiblement très compétentes : celles de Jobie Hugues et James Frey. Excités par les potentialités dramatiques de cette étrange histoire, Steven Spielberg et Michael Bay ont acquis les droits du livre pour l’adapter pour le grand écran. Une riche idée ! Mené de
main de maître, Numéro Quatre entraîne en effet dans un récit stupéfiant d’habileté où la paranoïa et la peur sont exploitées pour le meilleur et… le meilleur. Aux manettes de la réalisation : DJ Caruso (Taking lives, L’œil du mal…], un metteur en scène qui maîtrise l’art du suspense et de l’efficacité. Dans Numéro Quatre, le réalisateur, bien aidé dans sa tâche par ses jeunes acteurs épatants, excelle à entremêler la réalité a priori la plus banale avec le surnaturel le plus troublant. Résultat : un sans-faute. En plus de la (re)découverte de ce film trépidant qui connut un beau succès lors de sa sortie en salles il y a quelques mois, de copieux bonus prolongent le plaisir : avec entre autres un bêtisier et plusieurs scènes coupées du montage final et commentées par DJ Caruso en personne.

Un homme victime d’un violent accident et que l’on dépossède de sa personnalité… Avec cet argument joliment paranoïaque, Jaume Collet-Serra signe Sans identité, un maître polar où il dirige Liam Neeson, en état de choc et en état de grâce. À découvrir ! e professeur Martin Harris file un mauvais coton… Alors qu’il séjourne à Berlin pour donner une conférence, il est victime d’un grave accident de voiture. Mais le pire est à venir. Une fois sorti du coma, le héros malheureux n’est pas au bout de ses peines puisqu’il s’aperçoit que tous ses papiers ont disparu et qu’un autre homme se fait passer pour lui. En proie à un trouble psychologique particulièrement sévère, perdu dans une ville inconnue, Martin, le vrai, va devoir accomplir des miracles pour prouver qui il est. Une ravissante jeune femme va l’aider dans cette difficile mission…
Si vous aimez les scénarios haletants et paranoïaques, ce film de genre très inspiré est pour vous ! L’argument de Sans identité, d’après Hors de moi, le bien nommé roman de l’écrivain français Didier Van Cauwelaert, n’aurait probablement pas déplu en son temps à Alfred Hitchcock ou, plus près de nous, à Roman Polanski. Avec une telle œuvre entre les mains, Jaume Collet-Serra, un des cinéastes espagnols les plus talentueux de la nouvelle génération, La maison de cire et Esther signe un thriller psychologique de haute tenue qui captive du premier au dernier plan et où son art nerveux de la mise en scène fait merveille. En toile de fond, les décors de Berlin, écrin idéal pour abriter les mille et une machinations de ce polar cérébral, 100 % envoûtant. Dans le rôle principal de Sans Identité : Liam Neeson, une nouvelle fois excellent, est visiblement habité par sa mission et incarne l’un des rôles les plus convaincants
de sa carrière récente. Certainement pas un hasard, puisque l’acteur, fasciné depuis sa jeunesse par les thématiques ayant trait à l’amnésie, a confié avoir lu le scénario de Sans identité d’une traite, ce qui ne lui arrive pas tous les jours. A ses côtés, l’épatante Diane Kruger prouve qu’elle sait décidément faire évoluer son talent dans les registres les plus divers, y compris, comme ici, du côté des films d’action : les nombreuses scènes de bagarre et de poursuites en voiture constituant autant de bonnes raisons de découvrir cette fiction aussi efficace qu’étonnante. Pour prolonger le plaisir intense éprouvé à la découverte du film, de copieux bonus permettent (entre autres] de découvrir (es coulisses agitées du tournage, ainsi que des interviews avec le cinéaste et tous les principaux acteurs.

Deux ans après Largo Winch, Tomer Sisley reprend du service dans lapeau du célèbre aventurier milliardaire aux côtés de Sharon Stone. Dès le 6 juillet prochain, offrez-vous un étonnant et savoureux cocktail d’aventure, d’action et d’exotisme.

Propulsé à la tête du groupe W après la mort de son père adoptif Nério, Largo Winch décide contre toute attente de le mettre en vente afin de créer une ambitieuse œuvre caritative. Une fondation que Largo entend bien confier au plus vieil ami de son père, Alexandre Jung (Laurent Terzieff). Évidemment, ce choix déchaîne les foudres des technocrates mais ses ennuis ne font malheureusement que commencer. Ainsi, le jour de la signature, il se retrouve accusé, par un mystérieux témoin, de crime contre l’humanité envers le peuple Karen de Birmanie avec qui il a vécu quelques années plus tôt et est recherché par Diane Francken (Sharon Stone), une procureure à la cour pénale internationale particulièrement tenace. Dès lors, pour prouver son innocence, Largo retourne au cœur de la jungle birmane sur les traces de son passé. Au même moment, une dangereuse OPA est lancée sur le groupe W.
Écrite sous l’œil bienveillant et professionnel de Jean Van Hamme, le créateur de la bande-dessinée, l’histoire de Largo Winch 2 se déroule quelques semaines après la fin du premier épisode. Ce deuxième film voit apparaître de nouveaux personnages comme celui interprété par l’icône américaine Sharon Stone mais aussi quelques figures emblématiques de la bande dessinée telles que Cochrane (Ulrich Tukur), qui dirige le groupe W ou Simon (Olivier Barthélémy), l’homme de confiance de Largo. Inspirée des tomes 7 et 8 de la bande dessinée (Largo Winch : La Forteresse de Makiling et L’Heure du tigre) et toujours écrite et réalisée par Jérôme Salle, cette suite dont le récit gagne en intensité et en suspense
monte résolument d’un cran. Au menu, plus d’action, de suspense et d’émotion. Dès lès premières secondes, nous voici entrâmes à cent à l’heure par l’énergique Tomer Sisley qui nous livre des poursuites effrénées, des cascades inédites à couper le souffle, le tout emmené par un montage des plus nerveux dans la lignée de la saga Jason Bourne. Grand amateur de sensations fortes et sportif aguerri, Tomer Sisley a mis un point d’honneur à effectuer lui-même ses cascades par souci de réalisme. Dès lors, les scènes extrêmement spectaculaires et les nombreuses séquences de bravoure qui ponctuent le film lui confèrent une véritable dynamique. Tourné à travers cinq pays dont la Thaïlande, Largo Winch 2 nous fait voyager et offre un dépaysement total en restant fidèle à l’esprit, au rythme et au ton de l’œuvre originale et se révèle au final comme un divertissement de haute volée.

Fabrice Luchini, aux prises avec une énergique bande de bonnes espagnoles, nous embarque dans une tendre comédie sociale qui mêle à la fois bonne humeur et humanisme. Une rafraîchissante aventure à ne surtout pas manquer dès le 24 août en DVD et Blu-Ray.

Paris, 1962. Jean-Louis Joubert, agent de change obnubilé par son travail, et Suzanne, son épouse très préoccupée par ses après-midi de bridge, forment un couple morne, figé dans ses habitudes. Entre son bureau et son bel appartement cossu, Jean-Louis mène une existence bien terne. Tout bascule le jour où ils engagent Maria pour remplacer leur ancienne bonne. Jean-Louis, qui n’est pas insensible aux charmes de la jeune femme, va découvrir à travers elle une joyeuse cohorte de femmes de ménage espagnoles vivant au dernier étage de son immeuble bourgeois. Fasciné par leur culture colorée et la simplicité de leur mode de vie, il va se surprendre à prendre la vie avec plus de légèreté. Mais il n’est pas aisé de changer de vie à 45 ans… Marquant la troisième collaboration entre le réalisateur Philippe Le Guay et Fabrice Luchini, Les Femmes du 6e étage révèle une nouvelle facette de l’acteur. Lui qui nous avait habitués à une certaine volubilité compose ici avec sobriété un personnage ambivalent de propriétaire qui va peu à peu apprendre à goûter aux joies simples de la vie. A ses côtés, Sandrine Kiberlain (Mademoiselle Chambón] s’avère parfaitement convaincante en pimbêche futile et méprisante. Face à eux, un casting ibérique des plus dynamiques, qui compte notamment Carmen Maura (Tetro) et la charmante Natalia Verbeke, complète une savoureuse galerie de personnages. Les Femmes du 6e étage aurait pu se limiter à proposer une simple comédie romantique, mais le film s’oriente rapidement vers la truculente satire sociale de la bourgeoisie amidonnée des années 60. De plus, il rend un hommage tendre à ce milieu méconnu des bonnes qui constitua à cette époque l’essentiel de l’immigration espagnole. Pour autant, le scénario évite soigneusement l’accumulation de gags lourds et de clichés pour laisser la place à une fable délicate, enlevée et drôle.

Des photographes prêts à tout pour raconter l’histoire de l’Afrique de Sud. De 1990 à 1994, quatre photographes vont couvrir Les dernières années sanglantes de l’Apartheid en Afrique du Sud. Greg Marinovich, Kevin Carter, Ken Oosterbroek et Joao Silva vont former un quatuor de choc qui outrepasse les dangers et photographie les conflits dans des zones « interdites aux Blancs ». Leurs prises de risque vont leur valoir le surnom de « Bang Bang Club ». Porté par des performances convaincantes, Ryan Phillippe |La Défense Lincoln] en tête, Shots of War est inspiré de l’ouvrage The Bang-Bang Club : Snapshots from a Hidden War des photographes Greg Marinovich et Joao Silva. Ce drame poignant dépeint les tourments d’un travail moralement discutable et lève le voile sur la lutte personnelle vécue par ces journalistes lorsqu’ils doivent se poser en observateurs de l’Humanité au détriment de leur propre sécurité et surtout de leur propre humanité. Une histoire singulière, intense et vibrante.

À la fois comédien, producteur, compositeur, guitariste, chanteur et scénariste, Jack Black est une véritable bête de scène aux multiples casquettes. Avec ce rôle de géant mégalomane au grand cœur, il trouve enfin un film à la mesure de son talent.

A New York, Lemuel Gulliver travaille au service courrier d’un journal. Il rêve de devenir reporter et supplie sa rédactrice en chef de lui donner sa chance. Elle lui confie alors sa première enquête consistant à élucider le mystère du triangle des Bermudes ! Une fois en mer, il se retrouve pris dans une tempête qui fait chavirer son bateau. Quand il se réveille, il a échoué sur une fie inconnue et découvre que des hommes et des femmes miniatures l’ont ligoté. Tout d’abord paniqué, Lemuel doit se rendre à l’évidence que ce qu’il vit est bien réel : il a atterri à Lilliput, un royaume peuplé d’êtres minuscules. Dans ce nouveau monde, il est enfin un grand homme et il s’attribue alors le mérite des plus grandes inventions et des plus grands événements historiques. Mais, bientôt, Gulliver va découvrir que la vraie grandeur est intérieure et qu’il n’a pas d’autre choix que de devenir un héros, un vrai ! Depuis plus d’un siècle, le romande Jonathan Swift, Les Voyages de Gulliver, a fait l’objet de maintes adaptations cinématographiques et télévisuelles, ancrant résolument son récit dans la conscience collective. Après Georges Méliès et Walt Disney, c’est au tour de Rob Letterman (Monstres et Cie) de se pencher sur l’œuvre de l’écrivain irlandais et d’y ajouter sa petite touche personnelle en transposant notamment l’action à notre époque. De Guitar Hero à Star Wars, on s’amuse des multiples références empruntées à la culture populaire et les aventures épiques de notre sympathique géant s’offre ainsi un véritable coup de jeune plutôt rock’n'roll. Jack Black pousse la chansonnette et rythme ce périple coloré avec simplicité et permet d’entrevoir ce conte satirique d’un œil nouveau. Quant au reste du casting, Jason Segel, Emily Blunt et Amanda Peet nous livrent des performances sincères, animées par un plaisir visible et contagieux. L’autre atout majeur du film reste indéniablement les ambitieux effets visuels. Réalisés par le célèbre studio Weta Digital qui fut oscarisé pour son travail révolutionnaire sur Avatar, La Trilogie des Anneaux et King Kong, ils ont permis de créer un monde lilliputien à la fois cohérent et crédible. Destiné au départ à un jeune public, Les Voyages de Gulliver dépeint surtout le récit initiatique d’un héros qui surmonte ses complexes en s’ouvrant aux autres et en faisant preuve de courage, une bien belle leçon qui s’adresse en définitif à tout le monde.

Il n’est jamais trop tard

De : Tom Hanks Avec : Tom Hanks, Julia Roberts, Bryan Cranston… Sortie le 6 juillet 2011

Employé modèle, Larry se fait virer de son entreprise comme un malpropre. En proie au désespoir, il décide de reprendre ses études et, à la fac, tombe sur une prof de rêve qu’il parviendra peut-être à séduire. Acteur impeccable depuis des lustres, Tom Hanks passe parfois derrière la caméra pour signer des fables délicieuses. 14 ans après That Thing you do, il récidive avec cette comédie romantique et intelligente où il donne la réplique à Julia Roberts. Heureux homme !

Le Moine

De : Dominik Moll Avec Vincent Cassel, Deborah François, Joséphine Japy… Sortie le 13 juillet 2011

Espagne, XVIIe siècle. Frère Ambrosio, un moine unanimement respecté dans sa confrérie, abandonne progressivement la foi religieuse pour s’abandonner à mille et une tentations transgressives. Pour l’incarnez à l’écran, un Vincent Cassel comme vous ne l’avez jamais vu ! Sous la direction inspirée de Dominik Moll (Harry, un ami qui vous veut du bien ], l’acteur, tout en mystère et en retenue, confirme qu’aucun genre ne lui fait peur. Étrange et brûlant…

Harry potter et les reliques de la mort partie 2:

De : David Yates Avec: DanielRadcliffe,Emma Watson, Rupert Grint… Sortie le 13 juillet 2011

Cette fois, aucun doute, c’est la fin… Une fin en forme d’apothéose ! Dans la seconde partie du dernier épisode des aventures d’Harry Potter, le combat entre les forces du bien et du mal atteint des sommets d’intensité. Et c’est Harry lui-même qui est appelé pour un sacrifice à l’heure de l’ultime bataille avec le redoutable Voldemort. Intense et inévitablement magique, le dernier film de la saga ne suscite qu’un seul regret, que cette dernière s’achève…

Green Lantern

De : Martin Campbell Avec : Ryan Reynolds, Blake Lively, PeterSarsgaard…Sortie le 10 août 2011

Depuis le temps qu’on l’attendait… BD américaine 100% culte, Green Lantern débarque enfin sur nos écrans et c’est bien sûr un événement pour tous les amateurs du genre. Les guerriers intergalactiques parviendront-ils à venir à bout de leurs terribles ennemis ? A cette angoissante question, c’est le très compétent Martin Campbell, derrière la caméra, et l’excellent Ryan Reynolds, devant, qui apportent la meilleure des réponses. Résultat ébouriffant !

E Conan

De : Marcus Nispel Avec : Jason Momoa, Ron Perlman, Léo Howard.. Sortie le 17 août 2011

Pour son come-back évidemment musclé, Conan parcourt en tous sens le continent d’Hyboria, décidé à venger son père et à éliminer ceux qui ont martyrisé les habitants de son village. Trente ans après ses premières aventures cinématographiques (Conan était alors incarné par Arnold Schwarzenegger), le héros new look, interprété par l’indiscutable Jason Momoa, dépoussière le mythe à grand renfort de scènes d’action et d’effets spéciaux sidérants. Ça secoue, forcément !

Dwayne Johnson se déchaîne dans ce road-movie rempli de péripéties musclées. A sa sortie de prison, Driver n’a qu’une idée en tête : venger le meurtre de son frère, tué au cours d’un braquage qui a mal tourné et l’a lui-même envoyé derrière les barreaux pour dix ans. Enfin libre, il peut se consacrer aux missions dont il a fait la liste précise. Mais le chasseur est aussi une proie et deux hommes sont sur ses talons : un flic vétéran à quelques jours de la retraite et un jeune tueur à gages égocentrique qui voit en lui un adversaire à sa mesure. Après le biopic musical Notorious, George Tillman Jr. change radicalement de registre et entraîne l’ex-catcheur surnommé « The Rock » dans une vendetta expéditive. Et si les sensations fortes sont au rendez-vous de ce film d’action très 80’s, il nous propose également une histoire riche faisant la part belle à des personnages brillamment développés.

Le récit épique d’un jeune guerrier viking qui deviendra un héros légendaire. En des temps reculés, Thor, un jeune chef de clan, accompagné d’une armée de valeureux vikings, navigue vers le Nord avec la ferme intention de défier les dieux et s’emparer de leurs richesses. Au cours de ce dangereux périple, il découvre bientôt un pays hanté par des créatures monstrueuses qui déciment peu à peu ses hommes. Face au danger, Thor, dont les frères participent à l’expédition, éprouve d’énormes difficultés à imposer le calme parmi les guerriers. Divisés, les Vikings sont de plus en plus vulnérables aux assauts de leurs ennemis. Aussi, pour s’inscrire dans la légende et déjouer les forces des ténèbres, Thor devra combattre géants, trolls et de terrifiants démons. Inspiré de la mythologie Scandinave et épousant à merveille les codes du fantastique, Thor et le marteau des Dieux séduira assurément le spectateur en quête de sensations visuelles fortes.

Héros de bande-dessinée puis d’une série télévisée, Titeuf est aujourd’hui la vedette d’un long-métrage. Mais, rassurez-vous, il a conservé son bagou, sa vision très personnelle du monde des adultes et, évidemment, son irrésistible mèche blonde !

Catastrophe ! Nadia fête son anniversaire et Titeuf n’est pas invité. Alors qu’il tente de comprendre pourquoi, les problèmes des grandes personnes vont venir secouer sa vie. Décidément, les adultes sont trop nuls. De la cour de récréation au Far West en passant par l’univers spatial du Grand Mugul, Titeuf va alors multiplier les stratagèmes pour que rien ne l’empêche d’atteindre son objectif : être invité à l’anniversaire de Nadia !
Depuis près de vingt ans, le succès rencontré par Titeuf ne se dément pas. Devenu l’emblème d’une jeunesse déconcertée face au monde des adultes et au laborieux apprentissage de la vie, on ne présente plus ce malicieux gamin au crâne rond et à la drôle de mèche blonde en proie quotidiennement à des interrogations existentielles. Pour porter son personnage fétiche sur grand écran, son créateur, Philippe Chappuis alias Zep n’a pas hésité à s’offrir un casting vocal de premier choix qui compte notamment Jean Rochefort et Maria Pacôme dans le rôle des grands-parents de Titeuf et Michael Londsdale [Des hommes et des Dieux] dans celui d’un psy. Dans Titeuf, le film, Zep ne s’est pas contenté d’écrire le scénario et de réaliser, il s’est également occupé de la musique qui y tient une place très importante. Il a composé pour l’occasion une complainte sociologique, Les filles à quoi ça sert ?, dans laquelle Bénabar, Francis Cabrel, Jean-Jacques Goldman et Alain Souchon s’interrogent en chœur sur le mystère de l’éternel féminin et s’est même permis de nous gratifier d’un amusant caméo musical de Johnny Hallyday avec La route est ta seule amie. De la malice, de l’espièglerie et de la distance. Fidèle à ce qui fait le sel de l’œuvre originale, ce film d’animation parvient à séduire un large public car Zep maftrise avec justesse la double lecture. Ainsi, quel que soit votre âge, vous ne pourrez pas résister aux nombreux trésors d’humour et d’émotion dont recèle Titeuf, le film.

Attention, événement ! Attendu depuis des années par plusieurs générations de fans, Le Roi Lion, le film de tous les exploits, ressort en haute définition Blu-ray et en DVD. L’occasion de s’apercevoir que Simba et ses amis n’ont pas pris une seule ride. Un incontournable…

Quelque part dans la Savane Africaine…Tous les animaux du royaume sont au rendez-vous pour célébrer la naissance du prince Simba, fils du roi Mufasa et de la reine Sarabi. Tous, sauf un : Scar, le frère du roi, pour qui l’apparition de cet héritier anéantit tous les rêves d’accession au trône. Et le diabolique Scar a plus d’un tour dans son sac. Il va le prouver… Avec la collaboration, hélas efficace, de ses fidèles hyènes, Scar imagine plusieurs plans pour éliminer son frère et son neveu. Malgré un premier échec, il parvient à se débarrasser de Mufasa et, comble de l’ignominie, persuade Simba qu’il est responsable de la mort de son père. Objectif : contraindre le lionceau à s’enfuir et en faire la proie désignée des vilaines hyènes. Parvenant in extremis à échapper au piège, Simba finit à bout de forces dans le désert. H est secouru par ceux qui deviendront ses plus fidèles amis : Timon et Pumbaa. Avec eux, il va grandir et tenter d’oublier le ténébreux passé. Avant, peut-être, de prendre une éclatante revanche sur le très mauvais sort et le diabolique Scar…
Le Roi Lion ou le film d’animation de tous les records ! Lors de sa sortie en salles, il y a (déjà !) 17 ans, le film a séduit le grand public comme aucune œuvre d’animation n’avait su le faire avant lui. La preuve : avec 783 millions dollars de recettes à travers le monde, Le Roi Lion est devenu LE phénomène cinéma de l’époque. En France, le film rencontra le plus important succès de l’année et franchit allègrement la barre des 10 millions d’entrées. Et la bonne fortune se poursuivit lors de l’exploitation VHS et DVD ! En toute logique, car Le Roi Lion, malgré la noirceur de son argument scénaristique, est un modèle d’intelligence, d’humanisme et d’invention visuelle. Un chef-d’œuvre du genre, pas moins.
Attendu depuis des lustres par les fans de toutes les générations, Le Roi Lion sortira enfin cet été pour la 1ère fois en haute définition Blu-ray et dans une nouvelle édition DVD et pour ceux qui possèdent le matériel adéquat, il sera même possible de visionner les aventures de Simba en 3D. Pour ces derniers, comme pour tous les autres, le plaisir sera incontestablement au rendez-vous ! Le Roi Lion, le seul film des studios Disney ne mettant en scène que des animaux du premier au dernier plan, n’a en effet pas pris une seule ride depuis sa sortie en salles. Scénario puissamment évocateur, réalisation ultra-inspirée, émotion et drôlerie au détour de chaque scène, B.O. culte signée Elton John… Pas de doute : Le Roi Lion reste le roi des films d’animation. Immanquable.

Dans World Invasion : Battie Los Angeles, Jonathan Liebesman met en scène une invasion extraterrestre, la résistance de quelques hommes de bonne volonté et, surtout, renouvelle le genre de fond en comble. Émotions fortes garanties !

Depuis plusieurs années, des ovnis sèment la panique un peu partout dans le monde… Mais aujourd’hui, c’est pire ! En l’an de disgrâce 2011, il n’est plus question d’apparitions sporadiques, mais d’une cruelle réalité : notre bonne vieille Terre est sauvagement attaquée par des forces inconnues surgies de l’espace. Résultat : une guerre dont personne n’aurait pu imaginer l’ampleur dévastatrice. Alors que les plus grandes villes du globe sont détruites une à une, Los Angeles reste l’ultime bastion de l’humanité à peu près vivante. Et au sein du camp Pendleton, une base militaire située à proximité de la mégalopole, le sergent-chef Nantz et ses marines représentent la dernière chance pour notre planète en déroute. Le vaillant sergent et ses hommes vont mener une bataille acharnée contre cet ennemi mystérieux qui semble déterminé à tout détruire sur son passage. Parviendront-ils à leurs fins ? Suspense…
Encore un film d’extra-terrestres ? Oui, mais pas n’importe lequel. Dans World Invasion : Battle Los Angeles, Jonathan Liebesman (Nuits de terreur, Massacre à la tronçonneuse : le commencement] a bénéficié d’imposants moyens pour renouveler les figures imposées du genre : un budget de 100 millions de dollars dont, bonne nouvelle, les bénéfices sont visibles au détour de chaque scène. Son talent de metteur en scène fait le reste. Le beau reste ! Pour mener à bien ce film de science-fiction beaucoup plus ambitieux que la moyenne, le cinéaste a fait preuve d’une exigence maniaque à chaque étape de la production. Tous les comédiens ont ainsi dû subir plusieurs semaines d’entraînement (jour et nuit !) dans un authentique camp de Marines, histoire que leurs performances fictionnelles soient toujours crédibles. Quant à l’équipe technique de World Invasion : Battle Los Angeles, elle n’a reculé devant aucune audace pour imaginer les Aliens du film. S’inspirant (entre autres] de la robotique, de la vie sous-marine et de celle des insectes, les techniciens ont passé de longs mois pour inventer et donner vie cinématographiquement à des extraterrestres qui ne ressemblent en rien à ce que l’on avait pu voir jusqu’alors au cinéma. Mission accomplie : la réussite de World Invasion : Battle Los Angeles repose en grande partie sur l’heureuse confrontation entre le scrupuleux réalisme des scènes d’action et la puissance imaginaire de la représentation des forces venues d’ailleurs. Les passionnants bonus contiennent pas moins de six documentaires qui reviennent en détail sur ce tournage évidemment atypique. Et dans son édition Blu-Ray (qui est un combo DVD et Blu-ray], la démo jouable, en exclusivité, d’un des jeux les plus attendus de l’année, Résistance 3, est un indispensable pour les amateurs du genre.

Rendez-vous incontournable, le Festival international du film d’animation d’Annecy portera haut les couleurs du rêve américain du 6 au 11 juin et vous proposera de découvrir les classiques et les nouvelles tendances du secteur en toute convivialité.

Pour sa 51e édition, Le Festival international du film d’animation d’Annecy met à l’honneur les États-Unis, le pays le plus prolifique en matière d’animation, avec notamment, une rétrospective allant des grands classiques de Pixar et Dreamworks aux films les plus improbables issus de studios indépendants, en passant par des avant-premières et la participation de personnalités de premier plan telles que Carlos Saldanha (L’Âge de glace, Rio). De leur côté, les studios Walt Disney Animation participeront à la seconde édition du concours créatif YouTube et récompenseront un animateur en herbe en lui permettant de découvrir à Los Angeles, en compagnie d’un guide, les studios de la firme situés à Burbank.
Diversité et talent sont donc au programme de ce Festival dédié à l’image animée, avec une sélection officielle de courts et longs métrages (Le chat du rabbin, Une vie de chat, L’apprenti du Père Noël…], de films de fin d’études, de films de télévision et de commande, à laquelle s’ajoutent des rétrospectives et avant-premières (Albator en 3D, Arthur Christmas…), des rencontres avec les équipes de film, des expositions, une programmation pour petits et grands à voir en salles et en plein air chaque soir (Rango, Là-Haut…], des dédicaces (Wakfu…) et des émissions en
direct. Les festivaliers jouiront également à l’occasion de la Cybernight du jeudi 9 juin, d’unspectacle aux abords du lac qui promet d’être inoubliable. Ainsi, aux commandes de ses platines, l’emblématique DJ Bob Sinclar accompagné du grand showman Big Ali, donnera un concert exceptionnel dont la première partie sera assurée par le DJ Deal et Jay Style, l’animateur star de Fun radio.
Second festival français après celui de Cannes, le Festival international du film d’animation d’Annecy représente un compromis intéressant entre un événement axé sur la dimension artistique et un autre réservé aux activités commerciales. Lieu d’échanges et de rencontres pour les professionnels et les créateurs du monde entier, le MIFA (Marché international du film d’animation] et le carrefour de la création réunissent ainsi en France depuis 25 ans près de 2 500 professionnels venus d’une cinquantaine de pays et accueillent lors des conférences des experts internationaux autour de réflexions sur les enjeux majeurs de l’animation, techniques comme financiers. Dès lors, l’édition 2011 du Festival international du film d’animation d’Annecy semble résolument tournée vers l’avenir et promet d’être riche et haute en couleur.

Plébiscité lors de la dernière cérémonie des Oscars (4 récompenses, dont celles du meilleur film et du meilleur acteur pour Colin Firth), Le discours d’un roi retrace l’histoire incroyable mais vraie de George VI, le « roi bègue ». Chaussez bien vos lunettes de vue… Attention chef-d’œuvre !

Vous voici plongés de force dans ce conflit!  Il nous dresser contre un principe qui, s’il devait s’imposer, serait fatal à tout ordre civilisé dans le monde… »4 septembre 1939 : la voix ferme et solennelle qui retentit su ries ondes de la radio britannique est celle du roi George VI. Dans les coulisses du studio d’enregistrement, les dignitaires politiques, Winston Churchill en tête, retiennent leur souffle. L’heure est grave : l’Angleterre entre en guerre contre l’Allemagne nazie, et la parole royale se doit d’entraîner un quart de la population mondiale dans son sillage. Problème : George VI, devenu roi deux ans plus tôt, suite à l’abdication de son frère Edouard VII (plus préoccupé par sa vie sentimentale tumultueuse que par les affaires du royaume), souffre depuis l’enfance d’un terrible bégaiement qui lui vaut d’essuyer les moqueries de ses contemporains et le scepticisme des classes
dirigeantes. Pourtant, ce 4 septembre, malgré ses angoisses et ses inhibitions, le roi parle haut et fort. Il y gagne le respect de tous et devient, aux yeux et aux oreilles de son peuple, un leader incontestable.
À quoi tient la grande histoire ? Le discours d’un roi, film-événement signé Tom Hooper, raconte l’invraisemblable et pourtant véridique épopée personnelle de George VI (interprété par le génial Colin Firth, dans son meilleur rôle). Ou comment, grâce à un thérapeute australien aux méthodes peu orthodoxes (Geoffrey Rush) et au soutien amoureux de son épouse (Helena Bonham Carter), le roi bègue put devenir le roi tout court…
Meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur scénario, meilleur acteur (Colin Firth) : lors de la dernière cérémonie des Oscars, Le discours d’un roi a raflé toutes les principales récompenses. Un plébiscite qui
ne souffre aucune contestation, tant le film de Tom Hooper, à la fois récit historique, drame psychanalytique et comédie désopilante, fait preuve d’une intelligence et d’un charme convaincants. Parmi les grands moments du film : les scènes entre le monarque et le thérapeute, des modèles de rythme et d’humour, surtout quand l’orthophoniste entreprend de rééduquer le souverain par la « méthode des jurons », consistant à épeler un maximum de grossièretés en un minimum de temps. Les copieux bonus du DVD multiplient le plaisir : making-of, un documentaire inédit sur le « vrai » George VI écrit et présenté par Stéphane Bern, commentaires audio du réalisateur, entretiens avec l’équipe du film et un documentaire sur le bégaiement réalisé avec l’aide de l’association « Parole Bégaiement »

Janvier 1993, à l’heure fatidique du passage à l’Europe… Deux douaniers,  l’un belge, l’autre français, apprennent la disparition prochaine de leur poste-frontière situé dans une petite commune ordinaire. Problème : les frontières existent encore dans les têtes et pèsent des tonnes ! Fonctionnaire zélé et francophobe hystérique, Ruben Vandevoorde (Benoît Poelvoorde] se voit contraint d’inaugurer la première brigade volante mixte franco-belge.
Son collègue français, Mathias Ducatel (Dany Boon], ennemi de toujours de Ruben et, de surcroît, amoureux fou de la sœur de ce dernier, surprend tout le village en acceptant de devenir son co-équipier dans la délicate mission. Une cohabitation pour le pire… et peut-être pour le meilleur. Y a-t-il une vie cinématographique possible après le triomphe historique de Bienvenue chez les Ch’tis ? Oui, mille fois oui, répond
Dany Boon qui, avec Rien à déclarer, a une nouvelle fois séduit le très grand public en attirant 8 millions de spectateurs français dans les salles. Parmi les bonus du DVD et du Blu-ray collector franco-belges de Rien à déclarer : un livret de blagues franco-belges, quelques cadeaux rigolos (dont un protège passeport !] et, en exclusivité, un sketch extrait du nouveau spectacle de Dany Boon. Un laisser-passer pour la bonne humeur !

New York City Ballet, ses élégants tutus, sa douce atmosphère… Nina, ballerine ultra-talentueuse, mais jeune fille rongée par la timidité, est désignée pour être la danseuse étoile de la nouvelle version du Lac des cygnes. Bonne nouvelle ? En apparence oui. Mais il convient de se méfier des apparences. Avant de monter sur scène à l’heure de la grande première, Nina devra affronter de multiples périls : la jalousie :éroce des autres danseuses, l’autoritarisme sournois de son chorégraphe, l’exigence olle de sa mère, une ex-danseuse frustrée. Jina devra surtout lutter contre ses propres démons psychologiques, tous détestez les ballets ? Les danseuses et leurs chaussons blancs ? Ne fuyez pas. Dans ; formidable Black Swan, Darren Aronofsky Rquiem for a dream, The Wrestler) ne adonne pas à un éloge consacré aux iles du genre. L’action du film a beau se :rouler sur la scène et dans les coulisses i New York City Ballet, une institution du is de deux, le cinéaste et son bras armé sa caméra – préfèrent fureter ailleurs, ir exemple du côté des manipulations du aître des lieux, Thomas Leroy, l’inquiétant orégraphe (Vincent Cassel). Mais aussi, côté de la rivalité névrotique entre ces « noiselles qui ne se contentent pas de se :per le chignon et le tutu pour devenir les
favorites du chorégraphe suscité. Surtout, Aronofsky a une idée principale en tête. Examiner ce qui se passe dans la tête de son héroïne principale : Nina qui vit tant bien que mal entre son obsession artistique et ses problèmes psychologiques tout sauf légers. Black Swan réussit un exploit : réinventer les figures du thriller en n’oubliant ni l’efficacité du spectacle (on tremble du premier au dernier plan], ni l’ambiguïté dérangeante qui trouble l’âme et le corps de Nina. L’essentiel repose sur la mise en scène qui excelle à rendre tout ce qui est indicible. Quelque part entre la réalité et l’esprit dérangé de Nina, il y a le film. Celui-ci est immense. Et il n’est pas le seul… La prestation de Natalie Portman dans le rôle principal laisse en effet pantois. Sensuelle et fragile, vénéneuse et « affreusement » ambivalente, la comédienne incarne son héroïne avec une conviction sidérante et fut justement récompensée par l’Oscar de la meilleure actrice en janvier dernier. Une récompense ô combien justifiée… Cerise sur le film : les éditions collector (DVD et Blu-rayl offrent 45 minutes de bonus inédits permettant de découvrir les coulisses de ce brûlant Black Swan et les confidences de ses géniaux interprètes.

Lorsqu’Emma refuse les timides avances d’Adam en colonie de vacances, ils ont à peine U ans. Des années plus tard, leurs chemins se recroisent et un jour ils finissent au lit ensemble. Mais, Emma est accaparée par son travail et Adam a fait une croix sur les relations amoureuses depuis que son père sort avec son expetite amie. Ils décident alors de vivre une relation sans attaches basée uniquement sur le sexe… Dans Sex Friends, Ivan Reitman (Sos Fantômes] choisit la carte de l’irrévérence et détourne les archétypes de la comédie romantique pour nous livrer une histoire originale pleine d’humour qui s’intéresse à la difficulté qu’ont les hommes et les femmes à établir des liens émotionnels. Répliques savoureuses, quiproquos, situations cocasses, Natalie Portman (Black Swan) et Ashton Kutcher [Valentine's day] badinent avec l’amour et ce pour notre plus grand plaisir.